Sơ lược về lịch sử điêu khắc
Trong lịch sử hàng ngàn năm, nghệ thuật điêu khắc đã từng bước đảm nhiệm nhiều vai trò trong cuộc sống của con người. Những tác phẩm điêu khắc đầu tiên có lẽ được thực hiện để cung cấp sự trợ giúp tinh thần với những hình tượng ma thuật cho các thợ săn. Trong buổi bình minh của văn minh nhân loại các bức tượng đã được sử dụng như là đại diện cho các vị thần và các thế lực siêu nhiên. Các vị vua thời cổ đại, với hy vọng biến mình trở nên bất tử, đã cho khắc tạc chân dung. Hàng ngàn năm TCN, người Hy Lạp đã tạo ra được những bức tượng hoàn hảo mô tả hình thể đàn ông và phụ nữ. Các Kitô hữu tiên khởi đã trang trí nhà thờ với các hình tượng yêu ma và quỷ dữ, để nhắc nhở về sự hiện diện của tội ác đối với nhiều tín đồ không thể đọc và viết.
Từ khi khởi đầu cho đến hiện tại, có thể nói, các tác phẩm điêu khắc phần lớn là hoành tráng. Vào Thế kỷ XV, các tượng đài cho các anh hùng trong Kinh thánh đã được xây dựng trên đường phố của các thành phố của Ý và vào Thế kỷ XX, tượng đài của một nhạc sĩ đã được xây dựng ở trung tâm thành phố New York. Các đài phun nước lớn với các tác phẩm điêu khắc được đặt ở những vị trí trung tâm của đô thị. Tượng điêu khắc cũng được dựng bên cạnh các tòa nhà chọc trời hiện đại, giống như trước đó hàng trăm năm, chúng xuất hiện ở trong sân của các tòa cung điện. Người Sumer cổ đại ăn mừng chiến thắng quân sự bằng các công trình điêu khắc và những người tham gia Thế chiến II cũng sử dụng các tượng đài điêu khắc để tôn vinh những người lính của mình.
1. Điêu khắc thời tiền sử
Điêu khắc có thể là ngành nghệ thuật lâu đời và cổ xưa nhất của con người. Người ta chạm khắc trước khi họ vẽ, sơn hoặc thiết kế nhà ở. Các bản điêu khắc đầu tiên có lẽ được khắc trên đá hoặc tạc (đào hoặc đắp) trên bề mặt mặt đất. Do đó, những hiện vật này là tiền thân của điêu khắc phù điêu. Có rất nhiều những hiện vật được tìm ra cho thấy những bước đi đầu tiên của nghệ thuật điêu khắc thời tiền sử, được thực hiện bởi những người sống trong các nền văn hóa nguyên thủy.
Từ các tác phẩm điêu khắc nguyên thủy được tìm thấy gần đây và từ một vài tác phẩm tiền sử còn sót lại, có thể đánh giá rằng, các tác phẩm điêu khắc thời tiền sử không bao giờ được làm chỉ để hướng tới cái đẹp. Mục đích chính của nó, luôn luôn là, được thực hiện để sử dụng trong các nghi lễ. Trong cuộc chiến không ngừng nghỉ để sinh tồn, những lớp người đầu tiên của nhân loại đã tạo ra tác phẩm điêu khắc để cung cấp những hỗ trợ về tinh thần và hướng tới tâm linh.
Hình hài, vóc dáng của đàn ông, phụ nữ, động vật, công cụ…, và sự kết hợp của tất cả những thứ này nhằm để phục vụ cho việc tôn vinh những thế lực kỳ bí và đôi khi đáng sợ của thiên nhiên, được tôn sùng như những thần linh (tốt hoặc xấu). Những vật thể hình thù kỳ dị đại diện cho những lời cầu nguyện của những người đàn ông mạnh mẽ về những mùa màng bội thu, lúa ngô và tôm cá. Điêu khắc dưới dạng mặt nạ được các linh mục hoặc thầy thuốc đeo trong các điệu nhảy, được thiết kế để xua đuổi tà ma hoặc cầu xin những điều tốt lành.
2. Điêu khắc trong thế giới cổ đại
Các nền văn minh sớm nhất của Ai Cập,Mesopotamia, Thung lũng Indus và Trung Quốc dần dần phát triển các hình thức chữ viết vào khoảng 3000 TCN. Người dân của các nền văn minh này, giống như tổ tiên thời tiền sử của họ, cũng bày tỏ niềm tin sâu sắc vào nghệ thuật điêu khắc.
Ai Cập
Điêu khắc Ai Cập, cũng như phần lớn các ngành nghệ thuật Ai Cập, dựa trên niềm tin vào một cuộc sống sau khi chết. Thi thể của người cai trị Ai Cập, hay các pharaoh, được bảo quản cẩn thận, hàng hóa và vật dụng được chôn cùng để cung cấp cho nhu cầu của họ ở một thế giới vĩnh cửu khác. Các kim tự tháp, lăng mộ hoành tráng của Giza, được xây dựng cho những người cai trị ban đầu quyền lực nhất. Pharaoh và vợ được chôn cất trong các phòng cắt sâu bên trong những khối đá khổng lồ.
Những bức tượng có kích thước bằng với thực tế và thậm chí lớn hơn, được chạm trổ bằng đá phiến, thạch cao hoặc đá vôi, có hình dạng đều đặn và đơn giản như chính những ngôi mộ. Được đặt trong các đền thờ và bên trong các phòng chôn cất, những bức tượng này là hình ảnh của những người cai trị, quý tộc và các vị thần được người Ai Cập tôn thờ. Người Ai Cập tin rằng linh hồn của người chết luôn có thể quay lại với những hình ảnh này. Hàng trăm bức tượng nhỏ hơn bằng đất sét hoặc gỗ cho thấy mọi người tham gia vào tất cả các hoạt động bình thường của cuộc sống: nhào bánh mì, chèo thuyền, đếm gia súc… Những bức tượng này thật đáng kinh ngạc. Các cảnh được chạm khắc nổi và được vẽ trong các lăng mộ hoặc trên các bức tường của ngôi đền mô tả cuộc sống của người Ai Cập với tất cả sự đa dạng và sinh động của nó.
Các nhà điêu khắc Ai Cập luôn trình bày ý tưởng một cách rõ ràng. Tượng Pharaoh hay quý tộc được làm lớn hơn những người ít quan trọng hơn. Trong điêu khắc phù điêu, tất cả các phần của bố cục được hiển thị rõ ràng. Một mắt nhìn thẳng về phía trước được đặt đối diện với mặt của khuôn mặt, phần trên của cơ thể hướng về phía trước và hai chân lại nằm trong mặt cắt.
Người Ai Cập thường kết hợp các tính năng từ các sinh vật khác nhau để tượng trưng cho các ý tưởng. Ví dụ, đầu người của pharaoh Khafre được thêm vào phần mình đang cúi xuống của một con sư tử để tạo thành tượng Nhân sư vĩ đại. Hình tượng này biểu hiện cho sự kết hợp giữa trí thông minh của con người và sức mạnh của mãnh thú.
Các nhà điêu khắc Ai Cập đã tạo ra những nhân vật đứng và ngồi thành vòng tròn trong các bức phù điêu. Sự thay đổi trong phong cách tiết lộ hoàn cảnh lịch sử tạo nên sự thay đổi. Chân dung của những người cai trị Vương quốc Trung Hoa (2134-1778 TCN.) làm mất đi sức mạnh của những người tổ tiên của họ tại Giza. Những khuôn mặt được vẽ, trông buồn và mệt mỏi. Một thế lực và quyền năng lớn hơn trở lại trong thời kỳ quyền lực lớn nhất của Ai Cập – Vương quốc mới (1567-1080 TCN). Những bức tượng khổng lồ giống như những bức tượng của Ramses II ở lối vào lăng mộ của ông tại Abu-Simbel, rất rộng lớn, hùng tráng và uy nghiêm. Một bức chân dung nhỏ hơn của Ramses II cho thấy sự hoàn thiện một cách khéo léo, chính xác và vô cùng tao nhã của nghệ thuật cuối thời “Vương quốc mới”.
Lưỡng Hà
“Vùng đất giữa các con sông”, Mesopotamia, có một xã hội kém ổn định hơn nhiều so với Ai Cập và không có được lượng đá khổng lồ như của Ai Cập để thực hiện những công trình điêu khắc hoành tráng. Thêm nữa, các thành phố của nó thường bị phá hủy bởi lũ lụt và các quân đội xâm lược.
Những ví dụ đầu tiên về điêu khắc ở khu vực này được hình thành từ các vật liệu nhẹ: đất sét nung và không nung, gỗ hoặc kết hợp gỗ, vỏ sò và lá vàng. Một nhóm các hình tượng bằng đá từ Tell Asmar mô tả các vị thần, linh mục và tín đồ theo cách rất khác với điêu khắc Ai Cập. Những tạo tác điêu khắc này có hình nón, với váy xòe, đầu nhỏ, mũi to, kỳ dị và đôi mắt to, nhìn chằm chằm.
Điêu khắc đá từ các cung điện thành phố được gia cố nghiêm ngặt như Nineveh, Nimrud và Khorsabad cho thấy tính cách hiếu chiến của những người chinh phục (Thế kỷ thứ X trước Công Nguyên) vùng này, người Assyria. Tại các lối vào của cung điện của họ, người Assyria đã đặt những biểu tượng to lớn về sức mạnh và uy nghi của nhà vua dưới hình dạng quái vật bảo vệ khổng lồ – những con bò 5 chân, có cánh với đầu người. Những phiến đá được chạm khắc nổi với những cảnh săn bắn, chiến đấu, tiệc chiến thắng và cử hành nghi lễ được đặt dọc theo những bức tường thấp hơn bên trong cung điện.
Một sự nhẹ nhàng nhưng nổi bật hơn có thể được nhìn thấy ở một trung tâm vẫn còn lại sau này của khu vực: Babylon. Người Babylon đã sử dụng gạch có màu sắc rực rỡ trong những bức phù điêu của họ.
Những người chinh phục Ba Tư đã chiếm Babylon vào Thế kỷ thứ VI TCN, mang theo truyền thống về nghề thủ công . Kỹ năng này giúp họ tiếp tục tạo ra các thiết kế tuyệt vời bằng đồng và vàng. Đôi khi các thiết kế hoàn toàn là những mẫu trang trí trừu tượng. Đôi khi chúng là hình dạng động vật tự do, hình thành nên các biểu tượng vô cùng duyên dáng. Tác phẩm điêu khắc phù điêu từ cung điện lớn của Darius tại Persepolis (bắt đầu khoảng 520 TCN) vẫn giữ được một số đặc điểm của người Assyria. Các nhân vật có đầu với tóc và râu quăn chặt. Các khu vực bằng phẳng giới hạn bởi các đường cắt sắc nét tương phản với các mẫu có hoa văn phong phú. Các hình vẽ trong tác phẩm điêu khắc này đường nét được uốn cong, mềm mại và bay bướm.
Các chuyển động tự nhiên, thanh thoát của những nhân vật diễu hành trong đám rước trang nghiêm dọc theo các bức tường của cung điện tại Persepolis có thể phản ánh đúng tài năng của các nhà điêu khắc nguyên bản nhất của thời đại (Thế kỷ thứ VI trước Công Nguyên) – người Hy Lạp.
Văn minh Aegean
Không nhiều những gì về điêu khắc còn sót lại từ nền văn minh Minoan đầy màu sắc trên đảo Crete. Những tạo vật bằng ngà voi và đất nung, tượng nhỏ của nữ thần rắn, nữ tư tế và tượng nhào lộn, những chiếc cốc với những tiểu cảnh nhẹ nhàng như một con cá bị mắc vào lưới hoặc những người thu hoạch nông sản trở về từ cánh đồng.
Những tác phẩm điêu khắc nhỏ từ những địa điểm như Tiryns hay Mycenae đã được tìm thấy. Cổng Lion tại Mycenae (khoảng 1250 TCN), với hai con thú khổng lồ bảo vệ lối vào thành phố kiên cố, là một tác phẩm điêu khắc hoành tráng đặc biệt từ thời điểm này. Mặt nạ vàng Agamemnon đáng nhớ vì gợi ý về những anh hùng vĩ đại của truyền thuyết Homeric. Chiếc mặt nạ được tìm thấy chôn cùng với những chiếc cốc vàng, dao găm, áo ngực và các vật thể khác trong các ngôi mộ và mộ của Mycenae.
3. Điêu khắc Hy Lạp
Khoảng năm 600 TCN, Hy Lạp đã phát triển thành một trong những nền văn minh vĩ đại nhất trong lịch sử thế giới. Điêu khắc trở thành một trong những hình thức thể hiện quan trọng nhất đối với người Hy Lạp.
Niềm tin của người Hy Lạp rằng “con người là thước đo của vạn vật” được thể hiện rõ ràng nhất trong điêu khắc Hy Lạp. Hình người luôn là chủ đề chính. Bắt đầu từ cuối Thế kỷ thứ VII TCN, các nhà điêu khắc ở Hy Lạp liên tục nỗ lực tìm cách tốt hơn và tốt nhất để thể hiện hình tượng con người.
Người Hy Lạp đã tạo hình dáng đứng của một người đàn ông khỏa thân, được gọi là Kouros hoặc Apollo. Kouros phục vụ để miêu tả các vị thần và anh hùng. Họ cũng tạo hình dáng đứng của một phụ nữ mặc quần áo, duyên dáng hơn và được sử dụng để miêu tả các thiếu nữ và nữ thần. Nhân vật nữ có cánh – Nike, trở thành nhân cách hóa của sự chiến thắng.
Việc các nhà điêu khắc Hy Lạp tập trung năng lực của họ vào vào việc giải quyết những vấn đề hạn chế về nghệ thuật và kỹ thuật có thể đã giúp mang lại những thay đổi nhanh chóng trong điêu khắc Hy Lạp từ giữa Thế kỷ thứ VII đến cuối Thế kỷ thứ IV TCN. Sự thay đổi từ phong cách trừu tượng sang chủ nghĩa tự nhiên, từ những hình tượng đơn giản sang mô tả hiện thực, đã diễn ra trong giai đoạn này. Các tác phẩm điêu khắc từ đây có tỷ lệ bình thường, những hình tượng con người trong các tư thế đứng hoặc ngồi…, hết sức tự nhiên, mềm mại và trong trạng thái cân bằng hoàn hảo.
Các nhà sử học đã thông qua một tập hợp các thuật ngữ đặc biệt để gợi ý những thay đổi chính trong sự phát triển của điêu khắc Hy Lạp nói riêng và nghệ thuật Hy Lạp nói chung. Giai đoạn đầu, hay Archaic, kéo dài khoảng 150 năm, từ 625 đến 480 TCN. Một khoảng thời gian ngắn gọi là Early Classical hoặc Severe, từ 480 đến 450 TCN., tiếp theo đó là một nửa Thế kỷ của điêu khắc cổ điển. Giai đoạn “cổ điển muộn” (Late Classical) bắt đầu từ 400 đến 323 TCN và nghệ thuật Hy Lạp cổ đại được tạo ra từ năm 323 đến 146 TCN
Chức năng quan trọng nhất của điêu khắc Hy Lạp là tôn vinh các vị thần và nữ thần. Các bức tượng được đặt trong các đền thờ hoặc được chạm khắc như một phần của ngôi đền. Các đền thờ Hy Lạp là đền thờ được tạo ra để lưu giữ hình ảnh của các vị thần. Việc thờ cúng của người dân được thực hiện ở ngoài trời.
Điêu khắc Hy Lạp thay đổi cùng với nền văn minh Hy Lạp. Hermes của Praxiteles mỏng và thanh lịch hơn so với SpearBearer mạnh mẽ và có phần cục mịch của Polykleitos. Các hình tượng của Skopas từ Lăng ở Halicarnassus khắc nghiệt và kịch tính hơn các hình tượng hiền hòa, trầm tĩnh của Phidias.
Các nhà điêu khắc Hy Lạp nhấn mạnh vào việc miêu tả hình tượng con người. Điều đó phản ánh những thay đổi lớn trong thế giới quan của họ khi họ đối xử theo những cách mới đối với các đối tượng truyền thống, ưa thích của các nhà điêu khắc Hy Lạp trước đó. Một mối quan tâm mới được phát triển trong cộng đồng các nhà điêu khắc là mô tả các giai đoạn của cuộc sống con người , từ thời thơ ấu đến tuổi già. Họ mô tả các hình tượng theo cách tự nhiên, chính xác và “đời” nhất có thể. Một cụ già ốm yếu đau đớn quay về từ chợ; một cậu bé suýt bóp chết một con ngỗng tội nghiệp…
Xem thêm: Như thế nào là đồ cổ, những hiểu nhầm muôn thuở về đồ cổ
Người Hy Lạp đã bị người La Mã đánh bại, nhưng phong cách Hy Lạp, sau đó vẫn tồn tại trong nhiều thế kỷ. Điêu khắc Hy Lạp tồn tại vì người La Mã đã vô cùng ấn tượng với nghệ thuật Hy Lạp. Ngay từ những ngày đầu của nước cộng hòa, người La Mã đã nhập các hình mẫu của nghệ thuật Hy Lạp, đặt hàng các bản sao của các tác phẩm nổi tiếng và ủy thác cho các nhà điêu khắc Hy Lạp thực hiện các công trình điêu khắc theo các chủ đề La Mã.
4. Điêu khắc Etruscan và La Mã
Điêu khắc Hy Lạp nói riêng và nghệ thuật Hy Lạp nói chung đã được xuất khẩu sang Ý từ lâu trước khi người La Mã cai trị vùng đất này. Đến Thế kỷ thứ VII và thứ VI TCN, người Etruscans đã định cư vững chắc ở Ý. Hàng trăm tạo vật đã và vẫn đang được tìm thấy trong các nghĩa trang Etruscan rộng lớn. Một số tác phẩm điêu khắc và nhiều bình hoa khắc chữ Hy Lạp, trong khi một số khác là bản dịch Etruscan sống động của các hình thức Hy Lạp. Nhiều bức tượng nhỏ bằng đồng của nông dân, chiến binh hoặc các vị thần thể hiện tài năng tuyệt vời của người Etruscans là thợ kim loại và điêu khắc gia.
Rome được hưởng lợi từ sự kế thừa nghệ thuật kép của cả điêu khắc Hy Lạp và Etruscan. Sự sáng tạo của các nhà điêu khắc La Mã đã làm phong phú thêm di sản này. Đóng góp quan trọng nhất của các nhà điêu khắc La Mã là chân dung.
Sự phát triển của điêu khắc La Mã là mặt trái của điêu khắc Hy Lạp. Thay vì tiến bộ từ các hình thức khá đơn giản, trừu tượng đến các bức tượng tự nhiên và thực tế hơn, điêu khắc La Mã, một khi thực tế, đã trở nên đơn giản và trừu tượng hơn nhiều.
5. Điêu khắc “Christian sớm”
Điêu khắc Kitô giáo ban đầu giống như nghệ thuật của Rome. Sarcophagi (rương chôn cất) được tìm thấy ở Ý đều thuộc loại La Mã, mặc dù chúng cho thấy một ý nghĩa đặc biệt bởi các chủ đề, dấu hiệu hoặc biểu tượng quan trọng đối với các Kitô hữu.
Tuy nhiên, điêu khắc không phải là một hình thức thể hiện tự nhiên cho các Kitô hữu tiên khởi. Điều này là do một trong mười điều răn cấm tạo ra các hình ảnh (khắc). Nhiều Kitô hữu tiên khởi đã giải thích điều răn này, giống như người Do Thái, có nghĩa là đã sai khi tạo ra bất kỳ hình ảnh nào về hình người. Tuy nhiên cuối cùng giới chức nhà thờ đã đi đến quyết định rằng, nghệ thuật có thể phục vụ Kitô giáo, đồng thời phán quyết rằng, chỉ có việc tạo ra các thần tượng (các vị thần giả) mới bị coi là vi phạm điều răn.
Vào Thế kỷ thứ V, nửa phía tây của Đế chế La Mã đã bị xâm chiếm bởi các bộ lạc Đức từ phía bắc và trung tâm châu Âu. Những dân tộc này sớm trở thành Kitô hữu và truyền bá tôn giáo khắp châu Âu. Không giống như người La Mã, các dân tộc Đức không có truyền thống dùng hình tượng con người trong nghệ thuật. Nghệ thuật của họ bao gồm chủ yếu là các mẫu và hình dạng phức tạp được sử dụng để trang trí. Không có gì ảnh hưởng đến nghệ thuật Kitô giáo nhiều như nghệ thuật Greco-Roman đã làm.
Có tương đối ít ví dụ về điêu khắc được thực hiện trong 1.000 năm đầu tiên của Kitô giáo. Trong số những ví dụ hiếm hoi này là các bàn thờ di động, các thánh tích (hộp đựng hài cốt của các vị thánh và tử đạo Kitô giáo), chén thánh và các đồ vật khác được sử dụng trong các dịch vụ thờ phượng Kitô giáo. Chúng được tạo hình rất cẩn thận và thường được làm bằng vật liệu quý. Các nhà điêu khắc đã sử dụng ngà voi, một vật liệu mỏng manh và tao nhã theo nhiều cách. Họ đã chạm khắc nó trong những bức phù điêu cho các bàn thờ nhỏ hoặc làm bìa cho Tin mừng, Kinh thánh hoặc sách cầu nguyện. Những nhân vật nhỏ bé, tự do đại diện cho Madonna và Đứa trẻ Kitô, các thiên thần hay các vị thánh Cơ đốc.
6. Điêu khắc La Mã
Một chương mới phát triển rực rỡ trong nghệ thuật Kitô giáo bắt đầu sau năm 1000. Trong ba Thế kỷ tiếp theo, các kiến trúc sư, thợ xây, thợ mộc, và hàng trăm thợ thủ công khác đã tạo ra những nhà thờ Cơ đốc giáo ấn tượng nhất từng được xây dựng.
Những nghệ sĩ này đã làm việc ở những công trình hoành tráng, trên một quy mô táo bạo và kéo dài có thể trong hàng trăm năm. Để hình thành ý tưởng, họ đã tìm đến những mẫu hình tốt nhất về các cấu trúc vĩ đại mà họ biết – các lâu đài Roman. Thuật ngữ “Romanesque” cho thấy phẩm chất của nghệ thuật La Mã trong Thế kỷ XI và XII. Những thay đổi quan trọng đã được thực hiện bởi những nghệ sĩ sau này. Nhà thờ La Mã-Đức khác với nhà thờ Ý, Tây Ban Nha và Pháp. Ý tưởng về chạm khắc, xây dựng và vẽ tranh được lưu hành tự do, vì mọi người thường đi hành hương để thờ phượng tại các địa điểm linh thiêng ở các quốc gia khác nhau.
Một ví dụ đầu Thế kỷ XI của điêu khắc La Mã cho thấy cách dịch các ý tưởng La Mã. Các cánh cửa bằng đồng của Nhà thờ Hildesheim có mười tấm với các cảnh trong Kinh thánh. Việc lắp đặt và sắp xếp những cánh cửa lớn này gợi nhớ rõ ràng những cánh cửa từ Thế kỷ thứ V của Santa Sabina ở Rome. Nhưng các chi tiết là khác nhau. Con số nhỏ xoắn và xoay tự do. Đầu và tay của họ được mở rộng và nổi bật trên bề mặt của bức phù điêu.
7. Điêu khắc Gothic
Điêu khắc sau Thế kỷ XII dần thay đổi từ sự trừu tượng rõ ràng và tập trung của nghệ thuật La Mã sang một diện mạo tự nhiên và giống “như thật” hơn. Những hình người được thể hiện một cách sống động, theo tỷ lệ tự nhiên, được chạm khắc nổi trên các cột và cổng nhà thờ.
Khi các nhà điêu khắc gothic trở nên lành nghề hơn, họ cũng có được sự tự do và độc lập lớn hơn. Những nhân vật Gothic sau này được miêu tả chân thực hơn nhiều so với những nhân vật được tạo ra trong thời kỳ La Mã và thời kỳ Gothic trước đó. Khuôn mặt của các bức tượng có biểu cảm tinh tế cùng với trang phục, quần áo vô cùng tự nhiên và sống động. Hàng trăm hình chạm khắc trong các nhà thờ lớn của Gothic trên khắp Tây Âu đã trình bày các khía cạnh của đức tin Kitô giáo theo những điều mà mọi Kitô hữu đều có thể hiểu được.
Kỷ nguyên vĩ đại của việc xây dựng đã kết thúc vào đầu Thế kỷ XIV. Một loạt các cuộc chiến tranh và khủng hoảng đã ngăn cản việc xây dựng bất cứ thứ gì ngoài những nhà nguyện nhỏ và một vài bổ sung cho các cấu trúc trước đó. Người ta chỉ tìm thấy những bức tượng nhỏ và đồ vật, được sử dụng cho những sự tôn sùng riêng tư, thay vì những chương trình điêu khắc hoành tráng mà vào Thế kỷ XIII đã làm phong phú thêm những thánh đường như ở Amiens, Paris, Rheims, Wells, Burgos và Strasbourg.
8. Điêu khắc Phục hưng
Mọc lên ở giữa và gần như ngăn đôi biển Địa Trung Hải, bán đảo Ý, ngã tư của nhiều nền văn minh, là trái tim của Đế chế La Mã. Rome là trung tâm của thế giới Kitô giáo phương Tây. Sau đó, vùng đông bắc nước Ý – đặc biệt là Venice – trở thành cửa ngõ vào Cận Đông và Phương Đông. Các nghệ sĩ Ý không bao giờ hoàn toàn chấp nhận phong cách kiến trúc Gothic thống trị nghệ thuật ở Tây Âu. Lý do là các nghệ sĩ người Ý bị bao vây bởi phần còn lại của Thời đại Cổ điển và tiếp xúc với ảnh hưởng phương Đông của nghệ thuật Byzantine.
Ngay từ Thế kỷ 13, người Ý đã gieo hạt giống của một thời đại mới: Phục hưng (Renaissance). Mặc dù các yếu tố của nghệ thuật thời trung cổ và Byzantine đã đóng góp rất nhiều cho sự hình thành của điêu khắc thời Phục hưng (“Phục hưng” có nghĩa là “tái sinh”). các nghệ sĩ Ý đã quan tâm đến việc làm sống lại cách tiếp cận cổ điển đối với nghệ thuật.
Sự thay đổi đáng kể nhất trong nghệ thuật xảy ra trong thời Phục hưng là sự nhấn mạnh mới mẻ trong việc tôn vinh hình tượng con người. Không còn là điêu khắc để chỉ đối phó với các vị thánh và thiên thần nhân cách hóa. Các nhân vật điêu khắc bắt đầu trông giống như thật hơn.
Tác phẩm điêu khắc phù điêu của Nicola Pisano (1220-1284) dự báo thời đại mới. Vào cuối Thế kỷ XIII, Pisano đã chạm khắc các nhân vật nam khỏa thân trên bục giảng của nhà thờ. (Hình khỏa thân đã không được sử dụng trong điêu khắc kể từ khi Rome sụp đổ.) Mặc dù Pisano rõ ràng đã cố gắng sao chép các nhân vật anh hùng của nghệ thuật cổ điển, dù ông biết rất ít về giải phẫu người, tác phẩm của ông vẫn cân đối hoàn mỹ như Byzantine và điêu khắc thời trung cổ.
Vào đầu Thế kỷ XV, bắt đầu thời kỳ thời Phục hưng. Nhà điêu khắc Donatello đã tạo ra bức tranh khỏa thân độc lập đầu tiên kể từ thời cổ điển, một bức tượng bằng đồng của David. Donatello hiểu rõ toàn bộ giải phẫu (cơ thể) của nhân vật này đến mức ông có thể mô tả vị anh hùng trẻ trong Kinh thánh một cách dễ dàng, chân thực. Vào đầu Thế kỷ XVI, di sản điêu khắc của một người Florentine khác, họa sĩ và nhà điêu khắc vĩ đại Michelangelo Buonarroti, là phiên bản David của ông, gần như là biểu tượng siêu phàm về năng lực và sức mạnh.
Donatello và những người cùng thời với ông Lorenzo Ghiberti (1378-1455) và Jacopo della Quercia (1378?-1438) đã biến mình thành bậc thầy của cả hình tượng con người tự do và nghệ thuật điêu khắc. Những tấm đá của Jacopo tại San Petronio, Bologna, mạnh mẽ và giàu cảm xúc. Những cánh cửa bằng đồng nổi tiếng của Baptistery ở Florence cho thấy sự kiểm soát của ông đối với khoa học về viễn cảnh và cách xử lý thành thạo hình tượng con người.
Một loạt các nhà điêu khắc đã được làm việc với những bậc thầy xuất chúng này và qua đó, lần lượt, các nhà điêu khắc trẻ được đào tạo. Tài năng cá nhân của họ rất đa dạng và chính điều này đã đáp ứng cho những yêu cầu, đòi hỏi khác nhau của ngành điêu khắc. Các chủ đề Kitô giáo tiếp tục đóng vai trò quan trọng, nhưng ngoài ra, đài phun nước, chân dung, lăng mộ, tượng cưỡi ngựa và các chủ đề từ thần thoại cổ điển đều được tạo ra để đáp ứng cho nhu cầu đã trở nên đa dạng và phong phú. Luca della Robbia (1400?-1482) và những người khác đã phát triển một phương tiện mới – đất nung tráng men. Đó là một thay thế phổ biến và hấp dẫn cho đá cẩm thạch vốn đắt tiền hơn.
Không nghi ngờ gì nữa, Michelangelo trở thành nhân vật thống trị trong nghệ thuật điêu khắc Thế kỷ XVI và được công chúng nhiều thời đại đánh giá là nhân vật vĩ đại nhất trong lịch sử nghệ thuật. Tất cả các tác phẩm điêu khắc của ông, từ những tác phẩm đầu tiên, Pietà, hoàn thiện và đẹp choáng ngợp cho đến tác phẩm dở dang trước khi mất, Rondanini Pietà đều được tạo ra bằng kỹ năng và sức mạnh siêu việt. Những người đương thời của Michelangelo và các nhà điêu khắc sống ở những năm sau đó ở Ý và những nơi khác đã phát triển một phong cách trang trí thanh lịch hơn, dựa trên những kiểu dáng chính xác, mượt mà và các thiết kế tinh xảo, phức tạp và bay bướm. Phong cách này được gọi là mannerism.
9. Điêu khắc Baroque
Các nhà điêu khắc trong Thế kỷ XVII tiếp tục đối phó với nhiều vấn đề điêu khắc tương tự như các bậc tiền bối thời Phục hưng của họ, sử dụng hình người như một hình thức thể hiện. Tuy nhiên, họ đã phản ứng chống lại chủ nghĩa phong cách của các nhà điêu khắc cuối Thế kỷ XVI. Thay vào đó, họ đã làm việc để trở lại với sức mạnh lớn hơn của Michelangelo với năng lượng và sự nhanh nhẹn của điêu khắc Thế kỷ XV.
Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680), giống như Michelangelo, một nghệ sĩ tài năng. Trong sự nghiệp lâu dài và thành công rực rỡ, ông dễ dàng trở thành nhân vật thống trị tại đất nước của mình và là một trong những nghệ sĩ lớn ở châu Âu trong thời kỳ khai sáng. Tượng David của Bernini tiết lộ sự ngưỡng mộ của ông đối với Michelangelo và thể hiện sự độc đáo của chính ông. Nó có sự to lớn và sức mạnh của David của Michelangelo nhưng là một nhân vật tích cực hơn và ít bi thảm hơn. Các nhân vật của Bernini, đứng trong tư thế ấn tượng – như thể họ là diễn viên trên một sân khấu, tiếp cận với người quan sát. Kết quả là, người thưởng lãm cảm thấy luôn bị lôi cuốn và nhận được ân sủng.
Bạn nên xem: Tượng trang trí phòng khách giúp nâng tầm không gian sống
10. Điêu khắc Rococo
Những phẩm chất cơ bản của nghệ thuật Thế kỷ XVII đã được chuyển sang Thế kỷ XVIII nhưng được biến đổi theo sở thích của một thế hệ khác. Thuật ngữ “rococo” gợi ý sự ưu tiên cho các hiệu ứng trang trí, nhẹ hơn và nhiều hơn, trong điêu khắc và trong tất cả các lĩnh vực nghệ thuật.
Jean Baptiste Pigalle (1714-1785) và Étienne Maurice Falconet (1716-1791) đã thể hiện sự khéo léo về kỹ thuật tương tự như Bernini, nhưng tượng của họ toát ra những biểu cảm nhẹ nhàng và vui tươi. Kỹ năng được bộc lộ trong tác phẩm tinh tế của họ, với những hình thù nhỏ bé, tươi trẻ, ngọt ngào và miêu tả những chuyển động duyên dáng, thể hiện một sự thay đổi rõ rệt từ sự tập trung vào chủ đề tôn giáo một cách gò ép trong công việc của Bernini.
Điêu khắc và tượng nhỏ được thiết kế như những bổ sung nhẹ nhàng, dí dỏm làm cho các căn phòng thêm duyên dáng. Tài năng cá nhân của các nhà điêu khắc và những nỗ lực chung của họ đã tạo ra những hiệu ứng trang trí. Chính sự phát triển hiệu ứng trang trí và các kỹ năng tương tự đã tạo ra một nhóm các nhà thờ đẹp tuyệt vời ở miền nam nước Đức.
11. Điêu khắc tân cổ điển và lãng mạn
Con lắc vị giác xoay theo một hướng mới vào cuối Thế kỷ XVIII, trong khi Clodion (1738-1814) và các nhà điêu khắc rococo khác vẫn còn hoạt động sung mãn. Hướng này, được gọi là tân cổ điển để mô tả sự trở lại có chủ ý cho chủ đề và phong cách cổ điển, kéo dài trong gần một thế kỷ. Sự thay đổi có thể được nhìn thấy trong tác phẩm của nhà điêu khắc nổi tiếng Jean Antoine Houdon (1741-1828). Bức tượng George Washington của ông có thể được so sánh với một bức chân dung của một hoàng đế La Mã.
Tác phẩm điêu khắc nổi tiếng nhất của nghệ thuật điêu khắc tân cổ điển là của điêu khắc gia người Ý Antonio Canova (1757-1822). Canova là nghệ sĩ rất được các vị Vua và Quí tộc của Châu Âu hâm mộ và yêu thích. Chuyên môn của ông là tượng đài mà ở đó các chính khách hoặc nhân vật quan trọng khác mặc áo choàng và vòng hoa theo phong cách cổ điển. Canova thẳng thắn bắt chước các nhà điêu khắc cổ. Tác phẩm Perseus và The Pugilists của ông hiện được trưng bày tại Vatican cùng với các tác phẩm điêu khắc cổ điển cổ xưa.
Trong Thế kỷ XIX, nhiều nhà điêu khắc nổi loạn chống lại truyền thống tân cổ điển. Họ muốn các tác phẩm nghệ thuật của họ nói lên điều gì đó, để thể hiện một ý tưởng hoặc một cảm giác. Họ muốn sao chép thiên nhiên chứ không phải là tác phẩm của các nhà điêu khắc khác. François Rude (1784-1855) là một trong những người đầu tiên phản ứng chống lại sự lạnh lùng của phong cách tân cổ điển.
Một cường độ cảm xúc mạnh mẽ mang đến sức sống cho tác phẩm của Antoine Louis Barye (1795-1875). Tác phẩm “Jaguar Devouring a Hair” là một cảnh tượng thú vị của xung đột và đấu tranh bạo lực.
Rodin
Mặc dù phong trào Lãng mạn đang phát triển, nhiều nghệ sĩ vẫn thích làm việc theo truyền thống cổ điển trong các học viện. Vào những năm 1860, một nhà điêu khắc trẻ tên là Auguste Rodin đã bị quay lưng ba lần bởi École des Beaux-Arts, học viện ở Paris. Tuy nhiên vào cuối Thế kỷ, ông là nhà điêu khắc nổi tiếng nhất ở Pháp và trên khắp châu Âu.
Mặc dù Rodin tìm cách sao chép tự nhiên, ông đã sử dụng nhiều kỹ thuật mới. Cả hai phần, hốc lõm và phần nổi của một bề mặt, đều quan trọng đối với Rodin. Ông đã thử nghiệm các hiệu ứng của ánh sáng trên bề mặt của các vật thể, giống như những người theo trường phái ấn tượng đang làm trong hội họa. Ông điêu khắc những phần chìm và nổi dưới hiệu ứng ánh sáng từ một khối chưa hoàn thành. Cho dù ông ca ngợi sự can đảm giản dị của bức tượng Burghers of Calais hay tình yêu trong The Kiss – đầu gối tay ấp, thì Rodin vẫn gợi ý về mối quan hệ giữa tự nhiên và (hay chỉ là) những khoảnh khắc của cuộc sống.
12. Điêu khắc thế kỷ 20
Thế kỷ 20 là thời đại thử nghiệm những ý tưởng mới, phong cách mới và vật liệu mới. Các nghiên cứu về hình thể (giải phẫu) con người đã nhường chỗ cho các môn học mới: giấc mơ, ý tưởng, cảm xúc và nghiên cứu về mẫu hình và không gian. Nhựa, crôm và thép hàn đã được sử dụng, cũng như thậm chí các hộp, các bộ phận ô tô bị hỏng và các mảnh đồ nội thất cũ.
Các nhà điêu khắc Thế kỷ XX đã nợ Rodin một khoản nợ lớn. Khối lượng to lớn và sự đa dạng của các tác phẩm của ông đã truyền cảm hứng cho một thế hệ nhà điêu khắc mới, thể hiện những suy nghĩ mới trong một loại hình nghệ thuật đã lặp lại những ý tưởng cũ trong suốt 200 năm. Mặc dù những người kế vị của Rodin có xu hướng tránh xa cả chủ nghĩa hiện thực và các chủ đề văn học, cho dù những sáng tạo của ông có ảnh hưởng quan trọng. Aristide Maillol (1861-1944) đã từ chối các bề mặt gồ ghề của Rodin. Những đường nét mềm mại, mượt mà trên các tác phẩm bằng đá và đồng của Maillol dường như, dần trở nên như là một xu hướng.
Khi các nghệ sĩ thời Phục hưng đã sử dụng các tác phẩm tái hiện của Hy Lạp và La Mã cổ điển để lấy cảm hứng, các nghệ sĩ của Thế kỷ XX đã tìm đến các hình thức đơn giản và mạnh mẽ của nghệ thuật châu Phi nguyên thủy và nghệ thuật Đại dương. Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), nhà điêu khắc người Đức, bắt đầu dưới ảnh hưởng của Maillol. Sau đó, Lehmbruck đã bóp méo hình dáng các bức tượng của mình bằng cách khiến chúng dài ra một cách bất thường theo cách của nghệ thuật nguyên thủy. Tác phẩm “Khuôn mặt của Phụ nữ”, bởi Gaston Lachaise (1882-1935), gợi nên tác phẩm điêu khắc của Ấn Độ cổ đại. Cơ thể tròn trịa, rắn chắc và đồ sộ dường như tượng trưng cho sức sống phồn thực tràn trề của phái nữ.
Constantin Brancusi (1876-1957), một người Rumani làm việc chủ yếu ở Paris, kết hợp truyền thống dân gian Rumani với sự đơn giản của chạm khắc gỗ châu Phi và điêu khắc phương Đông. Brancusi tìm kiếm sự đơn giản tuyệt đối về hình thức và độ tinh khiết của ý nghĩa. Sự đơn giản và thuần khiết này được tìm thấy trong các tác phẩm như New-Sinh và Bird in Space.
Pablo Picasso, một trong những nhà điêu khắc vĩ đại nhất cũng như có lẽ là họa sĩ vĩ đại nhất Thế kỷ XX, đã nhìn thấy một phẩm chất khác trong nghệ thuật nguyên thủy. Trong sự đơn giản của các hình thức, ông thấy rằng, các vật thể tự nhiên không nhất thiết phải là khối rắn mà được tạo thành từ các hình tròn, hình vuông, hình tam giác…. Điều này dẫn đến một phong cách gọi là lập thể, được phát triển bởi Picasso và Georges Braque. Tác phẩm Head of a Woman (1909) của Picasso là một trong những tác phẩm điêu khắc lập thể đầu tiên. Trong đó Picasso chia bề mặt của một cái đầu thành nhiều mặt phẳng khác nhau.
Với Picasso và Brancusi, Jacques Lipchitz (1891-1973) là một trong những nhà điêu khắc có ảnh hưởng nhất trong Thế kỷ XX. Các bức tượng bằng đồng mạnh mẽ của ông cho thấy sự hiểu biết của ông về lập thể và sức mạnh đơn giản của nghệ thuật châu Phi, cũng như tất cả các phong trào khác trong nghệ thuật Thế kỷ 20.
Khi Thế chiến thứ nhất bắt đầu, bầu không khí ở châu Âu chìm ngập trong hoảng loạn và lo lắng. Một số nghệ sĩ phản ánh những căng thẳng của thời kỳ khó chịu này trong một loại hình nghệ thuật mới gọi là dada – vô nghĩa, không đại diện cho điều gì, và trái ngược với tất cả các nghệ thuật khác. “Các vật thể tìm thấy” và các vật dụng gia đình, như bồn rửa và móc treo của Marcel Duchamp (1887-1968), được trưng bày như tác phẩm điêu khắc. Đồng thời, một nhóm các nghệ sĩ người Ý, được gọi là “những nhà tương lai”, đã rất phấn khích trước tốc độ của thời đại máy móc. Tác phẩm điêu khắc của họ cho thấy các đối tượng trong chuyển động. Umberto Boccioni (1882-1916) là một “nhà tương lai” hàng đầu.
Sau Thế chiến I, phong trào gọi là siêu thực phát triển. Nhiều nghệ sĩ đã từng là người theo trường phái lập thể hoặc người theo chủ nghĩa dada, trở thành những người theo chủ nghĩa siêu thực. Tác phẩm của Jean Arp (1887-1966), với những hình thức huyền ảo dường như trôi nổi trong không gian, thuộc về phong trào này.
Trong những năm 1920 và 1930, các nhà xây dựng đã xây dựng thay vì chạm khắc hoặc mô hình hóa các tác phẩm điêu khắc của họ. Vẻ đẹp của hình thức tinh khiết và không gian kích thích họ. Hai anh em người Nga Naum Gabo (1890-1977) và Antoine Pevsner (1886-1962) đã sử dụng lưỡi (tấm) kim loại và nhựa để đạt được hiệu ứng nhẹ và trong suốt. Julio Gonzalez (1876-1942) đã giới thiệu việc sử dụng sắt rèn. Ảnh hưởng to lớn của kỹ thuật của ông được thấy đặc biệt trong tác phẩm của Picasso, một sinh viên của Gonzalez trong kỹ thuật hàn.
Khi điêu khắc hiện đại phát triển, nó ngày càng trở nên cá nhân hơn, mặc dù nó vẫn cho thấy sự nợ nần với quá khứ. Những hình dáng dài, mảnh khảnh của Alberto Giacometti (1901-1966) dường như lang thang một mình trong một thế giới không có ranh giới. Alexander Calder (1898-1976) đã tạo ra các tác phẩm điêu khắc chuyển động được gọi là điện thoại di động và văn phòng phẩm được gọi là stabiles. Các cấu trúc dây và dải kim loại do Richard Lippold (1915-2002) gợi lên cảm giác nhẹ nhàng tinh tế. Các tác phẩm điêu khắc hình học bằng thép của David Smith (1906-65) tạo ra cảm giác cân bằng, trật tự và làm thỏa mãn những hiệu ứng thị giác.
Trong những năm 1960 và 1970, vẫn còn nhiều phong cách mới được phát triển. Một số nghệ sĩ đã chọn miêu tả các chủ đề từ thế giới hàng ngày xung quanh họ, các hộp Brillo và lon súp của Andy Warhol (1928-1987), các hộp siêu thực của Joseph Cornell (1903-1972), hamburger thạch cao và “máy đánh chữ mềm” của Claes Oldenburg (1929-). Những người khác kết hợp hội họa, điêu khắc và “tìm thấy đồ vật”, như trong tác phẩm của Marisol Escobar (1930-). George Segal (1924-2000) đã sử dụng các tấm thạch cao hình người trong các tư thế đời thường hàng ngày. Louise Nevelson (1900-1988) đã kết hợp các đơn vị nhỏ bằng kim loại và gỗ (thường là chân bàn và ghế, trụ giường) thành các cấu trúc khổng lồ mà cô gọi là “môi trường”. Các nhà điêu khắc như Barnett Newman (1905-1970) và Tony Smith (1912-1980) đã tạo ra những tác phẩm đồ sộ thường được trình chiếu ngoài trời. Một số tác phẩm điêu khắc không chỉ di chuyển mà còn được điều hành bởi máy tính.
Một nghệ sĩ nổi danh trong giới điêu khắc, Henry Moore (1898-1986), đã sử dụng các vật liệu truyền thống (gỗ, đồng và đá) trong việc khám phá các vấn đề truyền thống về điêu khắc như hình tượng (người) ngồi và hình tượng ngả. Ông tin rằng các hình dạng không gian được tạo ra bởi một tác phẩm điêu khắc cũng quan trọng đối với thiết kế của nó giống như các hình dạng rắn, và ông thường đặt hoặc tạo ra các lỗ trong các tác phẩm điêu khắc của mình. Moore cũng tạo tương phản giữa ánh sáng và bóng tối bằng cách uốn cong các bộ phận hoặc chi tiết của tượng đồng, hướng vào trong hoặc hướng ra ngoài.
Hình thức và không gian, hiện thực, cảm xúc và vẻ đẹp hoàn hảo là sở thích và đam mê muôn thuở của các nghệ sĩ trong tất cả các Thế kỷ. Thế kỷ 20 chỉ cho họ thêm một hình dạng mới, định dạng mới…
Tổng hợp & Biên soạn: Trâm Anh Art
